Кому из балетмейстеров поручили систематизацию балетных движений

Обновлено: 16.05.2024

Балет - искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. Специальные учителя - танцмейстеры - старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих. Постепенно танец становился все более театральным.

Термин "балет" появился в конце XVI века (от итальянского balletto - танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие "балеты" состояли обычно из мало связанных между собой "выходов" персонажей - чаще всего героев греческих мифов. После таких "выходов" начинался общий танец - "большой балет".

Первым балетным спектаклем-представлением стал "Комедийный балет Королевы", поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо. Именно во Франции происходило дальнейшее развитие балета. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокальными ариями и декламацией стихов. Не удивляйтесь, в то время балет еще не был только танцевальным спектаклем.

В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище "Король-Солнце" получил после исполнения роли Солнца в "Балете ночи".

В 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.

Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.

В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.

К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. В городах открывались оперные театры. Многочисленные танцовщики и учителя танцев легко находили себе работу.

Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм: панталоны в обтяжку до колен и чулки позволяли разглядеть фигуру танцовщика.

Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику - выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.

Хотя французская балетная школа славилась изяществом и пластичностью, ей была свойственна некоторая холодность, формальность исполнения. Поэтому балетмейстеры и артисты искали иные выразительные средства.

В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве - романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете "Сильфида" она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.

В это время появилось множество замечательных балетов, но, к сожалению, романтический балет стал последним периодом расцвета танцевального искусства на Западе. Со второй половины XIX века балет, потеряв свое прежнее значение, превратился в придаток к опере. Лишь в 30-е годы XX века под влиянием русского балета началось возрождение этого вида искусства в Европе.

В России первый балетный спектакль - "Балет об Орфее и Евридике" - поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская "потеха", привлекавшая своей необычностью и новизной.

Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.

В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. Поначалу они выступали в балетах иностранных мастеров в качестве фигурантов (так называли артистов кордебалета), а позже в главных партиях. Замечательный танцовщик того времени Тимофей Бубликов блистал не только в Петербурге, но и в Вене.

В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Очень точно это почувствовав, А. С. Пушкин назвал танец своей современницы Авдотьи Истоминой "душой исполненный полет".

Балет в это время занял привилегированное положение среди других видов театрального искусства. Власти уделяли ему большое внимание, предоставляли государственные субсидии. Московская и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах, а выпускники театральных училищ ежегодно пополняли штат танцовщиков, музыкантов и декораторов.

В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.

В середине XIX века в русскую литературу и искусство пришел реализм. Балетмейстеры лихорадочно, но безрезультатно пытались создать реалистические спектакли. Они не учитывали, что балет - искусство условное и реализм в балете значительно отличается от реализма в живописи и литературе. Начался кризис балетного искусства.

Содержание спектаклей было примитивным, незамысловатые сюжеты служили лишь поводом для эффектных танцев, в которых артисты демонстрировали свое мастерство. Для танцоров главной стала отточенность формы и техники классического танца, и в этом они достигли виртуозности.

Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было "Лебединое озеро". До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.

Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке. Потребовались новые средства выразительности и новый подход к созданию спектакля.

Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.

Но подлинный реформатор балетного искусства - Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. При постановке балета "Египетские ночи" Фокина вдохновляли поэзия В. Брюсова и древнеегипетские рисунки, а образы балета "Петрушка" навеяла ему поэзия А. Блока. В балете "Дафнис и Хлоя" он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески. Его "Шопениана" возродила атмосферу романтического балета. Фокин писал, что "мечтает создать из балета-забавы балет-драму, из танца - язык понятный, говорящий". И ему это удалось.

В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России - Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма - стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.

Павлова - лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами - вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. "Умирающий лебедь", созданный великой балериной Павловой, - поэтический символ русского балета начала XX века.

Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.

После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.

Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.

В конце 1950-х годов наступил перелом. Хореографы и танцовщики нового поколения возродили забытые жанры - одноактный балет, балетную симфонию, хореографическую миниатюру. А с 1970-х годов возникают самостоятельные балетные труппы, независимые от оперно-балетных театров. Их число постоянно увеличивается, среди них появляются студии свободного танца и танца модерн. Но академический балет и школа классического танца по-прежнему остаются в нашей стране ведущими.

ЭТО ИНТЕРЕСНО

В балетах прошлого существовала целая система условных обозначений. Если артист, к примеру, проводил по своему лбу ребром ладони, подразумевая, что у него на голове корона, это означало "король"; сложил крестообразно руки на груди, значит, "умер"; указал на безымянный палец руки, где обычно носят кольцо - "хочу жениться" или "женат"; стал делать руками волнообразные движения, значит, "приплыл на корабле" и так далее. Разумеется, все эти жесты были понятны лишь балетмейстерам, артистам и кучке балетоманов - постоянных посетителей балетов.

Васильев Иван
Батман тандю, Пор де бра, деми пиле, грант жете, Деми ронд де жамб пар тер и так далее . Собственно все эти французские слова неизменно сопровождают классический балет, став профессиональными терминами еще во второй половине 17 века.

1 , 2
Но истоки зарождения балета появились еще раньше, в 15 веке в Италии. Собственно, даже само слово балет произошло от итальянского слова balletto – танцы, в свое время заменившее слово danza.

И так, 1 факт – балет зародился в эпоху Ренессанса в начале 15 века в Италии

костюм балета 16 века

2 факт – через сто лет, после своего рождения, балет появился во Франции, в виде массового представления, с танцами, песнями, стихами и баталиями, в котором принимала участие исключительно придворная знать.

3 факт – с начала 15 века и до середины 17 века балет был исключительно мужским делом, при этом был малоподвижным и больше похожим на оперу. Все танцы и роли исполняли мужчины в масках и туфлях на каблуках, одетые в тяжелые платья, сшитые по придворной моде, причем в мужском костюме обязательно присутствовала короткая юбка .

Классическая балетная форма 15-17 веков с юбочкой у мужских персонажей.

4 факт – в конце 17 века женские роли стали исполнять артистки женского пола. Закончилась трехсотлетняя патриархальность балета. На первый план вышли партии балерин, воздушные и порхающие.
В этот Великий век, балет и получил, так сказать, свою путевку в жизнь, став самостоятельным искусством.
С появлением в балете исполнителей женского пола стали изменяться костюмы. Платья становились легче, воздушнее, появилась свобода для движений. Свобода и развитие движений породили создание школы танца. Первые правила, превратившие танец в настоящий балет сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан(1637-1705), главный хореограф королевской академии музыки и танца, созданной в 1661 году Людовиком XIV.

Бошан записал каноны благородной манеры танца, в основу которой положил принцип выворотности ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны, не теряя равновесия.
Пять позиций ног и выворотность, которая есть в каждой из позиций, могут быть объяснены также тем, что балет возник на основе придворных танцев. В придворных танцах 17 века нередко участвовали дворяне, многие из которых были обучены фехтованию, поэтому некоторые приёмы фехтования, также как выворотные положения ног и позиции рук были использованы в балетной хореографии.

Все движения танцовщика он разделил на группы: приседания (плие), прыжки (заноски, антраша, кабриоли, жете, способность зависать в прыжке – элевация), вращения (пируэты, фуэте), положения корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук, которые уже давно использовали люди владеющие шпагой, мечем и саблей.

5 факт – техника хореографии возникла на основе теории по фехтованию и используется теперь не только в балете, но и в гимнастике, фигурном катании и других видах спорта и танца.

пять позиций ног и три позиции рук

Эта классификация Бошана жива по сей день. Более того – в результате французская терминология стала общей для артистов всего мира, как латынь – для медиков.

Батман тандю (battement tendu) - равномерные натянутые движения ногой вперед, назад, в сторону— вырабатывают натянутость всей ноги в колене, и подъеме, развивая ножную силу. Новички батману тандю обучаются стоя лицом и к палке, так как в этом направлении легче всего правильно воспитать и воспринять выворотность.
Батман(фр. battement — взмах, удар от гл. battre — махать, взмахивать, ударять, отбивать такт) — общее наименование для всей группы движений; конкретизация достигается при помощи добавления прилагательного (tendu — вытянутый, piqué — колющий, fondu — тающий, grand — большой, petit — маленький и т. д.). Совокупность этих движений — необходимый элемент для совершенствования техники классического танца: с помощью батманов отрабатывается умение правильно отводить ногу и приводить её обратно в позицию, сгибать и разгибать её.

деми пиле – полуприседание во второй позиции.
Деми ронд де жамб пар тер –Demi rond de jambe par terre — полу круг ногой по земле.

Танец, благодаря эволюции балета в сторону всё большего и большего профессионализма не переставал усложняться и делаться всё утонченнее.

в паре

В). Полухарактерный – объединял танцы пасторальные, пейзанские и фантастические, в которых на сцену являлись силы природы или персонифицированные человеческие страсти. Пляски фурий, нимф и сатиров также подчинялись его законам.
SONGEmonte

С). Комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма.

1
Так началось формирование балета, развившегося к восемнадцатому веку из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство. Искусство способное выражать чувства жестами в танце, а музыкальные фразы сопровождать сопутствующими движениями. Балет стал оформляться как занятие для профессионалов, на которых высшее сословие смотрело уже исключительно из зрительного зала.

6 факт – в 18 веке балет превратился в профессиональное искусство, выражающее эмоции и мысли героев не словесно, а исключительно танцевальными жестами и мимикой. Представления теперь исполнялись без масок и на изолированной от зрителей сцене.

7 факт - в 1830 году Тальони предпринял первый шаг к появлению современных пуант и балетных пачек - классической, романтической и хитона.

пуанты пачка

И последний , 8 - восьмой интересный факт. Балет родился в Италии и стал искусством во Франции, но, в настоящее время, классический балет называется русским балетом.

После 1850 года во Франции балет начал угасать. В Англии, к тому времени, балет из оперных театров перекочевал на эстраду. Разразившаяся Франко-прусская война 1870 г привела к исчезновению балета в западной Европе. В этой ситуации, переехавшие в Россию мастера балетного искусства дали новую жизнь классическому балету. Балет, как бы, получил вторую родину и стал называться русским балетом.
В двадцатом столетии русский балет стал перемещаться обратно на запад и в Америку, но, согласно современной моде, стал трансформироваться в невербальный модерн.

новобалет

Так что, исторически сложилось так, что носителем классического балета стал и до сих пор является русский балет.

Танец — вид искусства, уходящий корнями в глубокую древность. Изначально хореография носила ритуальный характер, в Древнем Риме, например, танцы были неотъемлемой частью праздника начала урожая. А боевые танцы до сих пор используются некоторыми народами для поддержания боевого духа воинов.

Раньше не было специального термина для специалистов по хореографии, но сейчас есть профессия балетмейстер — это тот, кто занимается постановкой хореографических номеров.

Так как танец — это не столько элитарное искусство, сколько способ самовыражения, то востребованы специалисты, способные работать как с профессиональными танцорами, так и с любителями.

Кто такой балетмейстер и чем он занимается

Балетмейстер — это постановщик хореографических номеров, танцев, балета, элементов движения.

Также в его обязанности входит:

Обучение артистов движениям.
Объяснение творческого замысла постановки.
Репетиция номеров.

Трудится балетмейстер в различных театрах, студиях и школах, но традиционно его профессию связывают с балетом.

Обычно балетмейстер — это бывший танцор, который по разным причинам не может участвовать в постановках. Часто танцевальная карьера завершается примерно к 35 годам, после этого танцоры, желающие продолжить работать в этой сфере, становятся балетмейстерами.

Что делает балетмейстер

Балетмейстер ведет танцевальный номер от момента его создания до финального показа перед зрителями. Это режиссер-постановщик, но только в танцевальной сфере.

Обязанности балетмейстера:

продумать композицию и техническую составляющую номера;
провести кастинг и подобрать подходящих танцоров;
разучить с выбранными танцорами их элементы, провести необходимые прогоны и репетиции;
взаимодействовать с костюмерами, гримерами, декораторами.

Источник фото master1305/freepik

Требования к балетмейстеру

Балетмейстер — это тот, кто соответствует следующим требованиям:

танцевальные навыки;
музыкальный вкус;
знание основ педагогики и психологии;
хорошая физическая форма;
понимание принципов работы костюмера, гримера, декоратора;
хореографическая подготовка;
знание различных музыкальных направлений и стилей, умение их сочетать.

Где могут работать балетмейстеры

Представитель этой творческой специальности может работать в разных местах:

театры;
любительские труппы;
танцевальные студии;
креативные агентства;
частные занятия.

Область применения навыков и умений балетмейстера ничем не ограничена. Поэтому при желании он может разработать наиболее подходящий ему график, определившись, как и с кем он будет работать. А успешность его дела будет зависеть от собственного таланта и креативности.

Обучение на балетмейстера

Некоторые танцоры получают образование в иностранных учебных заведениях, изучая особенности различных школ. Таким образом, они получают уникальный опыт, который используют для создания номеров в России.

Чаще всего балетмейстеры — это бывшие танцоры, но для полноценной работы они должны получить соответствующее образование. Отсутствие педагогических знаний и неумение управлять коллективом снижает возможность успешного преподавания.

Личностные качества балетмейстера

Профессиональный балетмейстер — это тот, кто обладает следующими качествами:

развитое воображение;
креативность;
художественный вкус;
терпение;
внимательность;
умение мотивировать на работу;
энтузиазм;
стремление к совершенствованию навыков;
организаторские способности.

Источник фото master1305/freepik

Сколько зарабатывают балетмейстеры

Зарплата балетмейстера зависит от его стажа и мастерства. Если специалист занимается с детьми, имеет небольшой стаж работы, то он может рассчитывать на зарплату примерно в 20 тысяч рублей.

Профессионал, имеющий большой стаж и профессиональную труппу, может ориентироваться на доход в 80 тысяч рублей.

Наибольший доход наблюдается у преподавателей, основавших свою танцевальную группу.

Данные о зарплате собраны с помощью интернет-сервисов по поиску работников.

Джордж Баланчин родился в Санкт-Петербурге, 23 января (10 января) 1904 года. Его отец, Мелитон Антонович Баланчивадзе, был грузинским композитором, народным артистом Грузии (1933г).

Настоящее имя – Георгий Баланчивадзе. В 1914-1921 годах обучался в театральном училище в Санкт-Петербурге, и еще во время обучения он начал создавать хореографические постановки, а также сочинять музыку, а после окончания будущего хореографа зачислили в кордебалет Петроградского театра оперы и балета.

Голейзовский Касьян Ярославович

Касьян Ярославович родился в Москве 22 февраля (5 марта) 1892 года. Мать будущего хореографа – артистка балета Большого театра, Елена Дмитриевна Голейзовская, отец – артист оперы, Ярослав Матвеевич Голейзовский, умер до рождения сына. Свое имя балетмейстер получил в честь Святого Касьяна, день которого празднуется 29 февраля.

Профессиональное обучение балету Касьян начал в Московском Хореографическом Училище, куда его привела мама. А затем был переведен в Петербург. Многие знаменитые танцовщики, у кого Касьян учился, а также вместе с кем обучался хореографии, формировали мировоззрение и эстетический вкус балетмейстера, а также его личность.

Григорович Юрий Николаевич

Родился 1 января 1927. В 1946 окончил Ленинградское хореографическое училище (педагоги Б. В. Шавров и А. А. Писарев), в том же году был принят в кордебалет Ленинградского театра оперы и балета имени Кирова (с 1946 по 1961). Выдвинулся как одаренный гротесковый танцовщик в партиях Половчанина ("Князь Игорь"), Нурали ("Бахчисарайский фонтан") и др. В 1947 выступил как балетмейстер, поставив в Ленинградском дворце культуры имени Горького балеты "Аистенок" Клебанова и "Семеро братьев" на музыку Варламова. Осуществил постановку - "Сказ о каменном цветке" Прокофьева в Театре имени Кирова (1957, где позднее исполнял партию Северьяна), Большом театре (1959), Новосибирском (1959) и Таллинском (1961) театрах оперы и балета, за рубежом - в стокгольмском Королевском театре оперы (1962). В этих спектаклях Григорович впервые обратился к философской проблематике, утвердил балетный симфонизм, сквозную танцевальность, воплотил поэтические русские образы. В 1961 поставил в Театре имени Кирова и Новосибирском театре оперы и балета "Легенду о любви" Меликова по Назыму Хикмету. Обращение к пластическим лейтмотивам, полифония кордебалетного танца, образность танцевального языка позволили Григоровичу создать народно-философский спектакль с современной проблематикой, сложными характерами. С 1964 по 1995 – главный балетмейстер Большого театра. Ныне – художественный руководитель и главный балетмейстер Краснодарского театра оперы и балета.

Джером Роббинс

Джером Роббинс (родился 11 октября 1918 года в Нью-Йорке) был младшим из двух детей Натана Рабиновича, эмигрировавшего в Америку из Польши в 1904 году и его жены Лены Рипс. Рабинович сначала был владельцем магазина деликатесов в Верхнем Ист-Сайде Манхэттена, но в 1920-х годах он перевез семью в Джерси-Сити, а затем в Вихокен, штат Нью-Джерси, где он и шурин основали компанию Comfort Corset Company. Молодой Джером, рано проявивший способности к музыке, танцам и театральному искусству, посещал школы в Вихокене и окончил среднюю школу Вудро Вильсона в 1935 году. Намереваясь изучать химию или журналистику, он поступил в Нью-Йоркский университет осенью 1935 года; но великая депрессия обострилась в 1936 году и его семья больше не могла оплачивать его образование - особенно с учетом того, что он, по его собственным словам, провалил два экзамена (математики и французского) из пяти. Не желая работать на фабрике корсетов, он пытался найти работу в каком-нибудь шоу-бизнесе и через свою сестру Соню, которая уже профессионально танцевала с Ирмой Дункан и танцевальным центром Глюка Шандора, он получил место в его труппе.

Джон Ноймайер

Удивительные образы и завораживающие хореографические решения для своих постановок находил великолепный хореограф - Джон Ноймайер. Он воплощал в жизнь прекрасные, яркие балеты, создавая свой собственный, уникальный мир балета Ноймайера.

Он родился в городе в г. Милуоки (штат Висконсин, США) 24 февраля 1942 года. Несмотря на то, что в городе, где он жил не было даже школы танцев, он все равно с малых лет увлекался этим искусством, особенно интересуясь творчеством Нижинского и деятельностью знаменитого импресарио – Сергея Дягилева.

Захаров Ростислав Владимирович

7 сентября (25 августа) 1907 года в городе Астрахань родился выдающийся русский балетмейстер, режиссер и педагог. Профессиональное образование Ростислав Владимирович получил в Ленинграде, в Ленинградском хореографическом училище, которое окончил в 1926 году. В последствии Ростислав Захаров работал артистом балета в Киеве (1926-1929 года). А продолжил свое обучение танцовщик в Ленинградском театральном техникуме. В 1932 году он стал выпускником режиссерского отделения. После чего был балетмейстером ленинградского Театра оперы и балета имени Кирова (1934-1936 года).

Иван Вальберх

Постепенно изживая себя, на смену одному направлению в искусстве, приходит другое. Так и на смену классицизму со временем пришел сентиментализм, где на первый план вышли переживания человека, его чувства, его личность.

Одним из ярчайших представителей сентиментализма в литературе был Н. М. Карамзин. А в хореографии – И. И. Вальберх. Русскому искусству сениментализм был очень близок. Он, как ни одно другое направление, полностью раскрывал облагораживающее влияние природы на людей и вопросы нравственного воспитания.

Мариус Петипа

Его называют одним из родоначальников балета XIX века и отцом балетного академизма. Спектакли этого хореографа выделялись мастерством, изяществом, проработкой сольных композиций и музыкальной насыщенностью. Его имя – Мариус Петипа.

Моисеев Игорь Александрович

Родился в Киеве 8 января 1906. По окончании Московского хореографического училища в 1924–1939 – артист балета Большого театра, исполнял видные партии в ряде балетов классического наследия, роль Иосифа в балете К.Я.Голейзовского Иосиф Прекрасный (музыка С.Н.Василенко), а также ведущие роли в ряде поставленных им самим балетах. Основные постановки: Футболист (совместно с Л.А.Лащилиным, музыка В.А.Оранского, 1930), Саламбо (музыка А.Ф.Арендса, 1932), Три толстяка (музыка Оранского, 1935). Позднее поставил в Большом театре балет Спартак (музыка А.И.Хачатуряна, 1958). С конца 1930-х годов главным делом жизни Моисеева стал созданный им в 1937 Ансамбль народного танца СССР (с 1991 – Ансамбль народного танца), руководителем которого он является по сей день. Здесь Моисеев ставил сначала танцы народов СССР (нередко объединенные в циклы – Картинки прошлого, 1937; Колхозная улица, 1938; Жок, 1949 и др.), затем народные танцы других стран (По странам мира, ряд циклов, 1960–1989), а также отдельные спектакли, основанные на народном танце (Ночь на Лысой горе, музыка М.П.Мусоргского, 1984). Ансамбль Моисеева с 1940-х годов гастролирует по всему миру. По его примеру ансамбли народного танца были созданы как в бывших республиках нашей страны, так и за рубежом.

Морис Бежар

Пройдя весь путь самостоятельно, от танцовщика, до постановщика и руководителя сложной хореографической структуры, Морис Бежар оставил след в развитии хореографического искусства, практически вывернув представление человека о балете.

Сын философа, Гастона Берже, впечатленный однажды постановкой С. Лифарь, он решил посвятить свою жизнь балету навсегда. И Морис начал обучение хореографии с 1941 года. Он сумел узнать секреты обучения нескольких хореографических школ, благодаря чему впоследствии стал обладателем уникального стиля. И, кроме того, возродил на сцене кордебалет, полностью состоящий из мужского танца. С 1945 года он совершенствовал свое мастерство у Л. Статса, Л.Н. Егоровой, мадам Рузан в Париже и у В. Волковой в Лондоне.